Diplômé du Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (promotion 2006).

Philippe Canales joue sous la direction de Matthieu Roy (Histoire d’amour, Lagarce; Drames de Princesses, Jelinek ; Peer Gynt, Ibsen ; L’amour conjugal, Moravia ; La Conférence et Un doux reniement, Pellet ;  Martyr, Mayenburg ; Days of nothing, Melquiot), Alexandre Zeff (Le Monte-plats et Celebration, Pinter), Jorge Lavelli (Himmelweg, Mayorga), Jacques Kraemer (Agnès 68), Volodia Serre (Le Suicidé, Erdman), Mylène Bonnet (Journée de noce chez les Cromagnons, Mouawad), Lazare Herson-Macarel (Peau d’Ane ; Cyrano, Rostand) Clémence Weill (Mars, Fritz Zorn ; A l’éternel retour de la chance) et Jérémie Sonntag et Florian Goetz (Fahrenheit 451).

Convaincu de l’utilité publique de l’éducation populaire par le théâtre, il fait le choix de consacrer un quart de son activité professionnelle à l’élaboration et la coordination de projets pédagogiques.

Il dirige par ailleurs depuis 2011 la plateforme TRANSVERSALES : échanges artistiques avec le territoire de Saint-Pierre et Miquelon, dont il est originaire.

Il est responsable du pôle pédagogie – action culturelle pour le Nouveau Théâtre Populaire et pour la Maison Maria Casarès.
Au NTP, Philippe Canales joue dans Le Tartuffe (2021), Dom Juan (2021), Psyché (2021), Grand Siècle (radio) (2021), Œdipe roi (2020), La Duchesse de Langeais (2018), Splendeurs et misères des courtisanes (2018), Illusions perdues (2018), Richard III (2016),  La Paix (2016), Le Jour de gloire est arrivé (2015 et 2016), La Cerisaie (2014 et 2015),  Falstafe (2014), Hamlet (2014),La Belle et la Bête (2014) et Le Misanthrope (2009)
Il collabore aux mises en scène de La Paix (2016) et Œdipe roi (2015) et il met en scène Plus ou moins l’infini (2021) avec les élèves du Conservatoire national supérieur d’art dramatique et  Grandes espérances (2018)

Metteur en scène, comédien et écrivain Eric Da Silva est directeur artistique de la compagnie Emballage théâtre depuis 1982. Depuis cette date, il met en scène, joue, écrit et adapte une quinzaine de pièces. Six de ses textes ont été montés par la compagnie : Stalingrad, La demande en mariage, Rapport d’autopsie, Je suis Hiroshima cent mille degrés de plus que toi, No man’s man et Nous sommes si jeunes, nous ne pouvons pas attendre. Il a également signé l’adaptation de Troïlus et Cressida de Shakespeare et de Peer Gynt d’Henrik Ibsen.

En 1986 il reçoit une Bourse d’encouragement du CNL (centre national du livre).
En 1991, lauréat du prix Léonard de Vinci, il séjourne en résidence d’écriture à New York et Los Angeles, subventionnée par l’AFAA, et écrit Je suis Hiroshima 100 000 degrés de plus que toi. En 1994, dans le cadre d’une commande d’écriture par l’association Ulysse d’Orléans (direction J. Leny), il écrit Je ne pourrais pas vivre si je croyais que je faisais du mal. Certains textes de ce corpus ont déjà été montés par L’Emballage Théâtre (La Demande en mariage, Stalingrad) et le Melkior Théâtre avec qui une collaboration a été initiée depuis 2004 (Mike de New York, L’Anniversaire, Le Contrat, Esse que quelqu’un sait où on peut baiser ce soir? J’ai répondu au bois, Je deviens Jimi Hendrix). 
En 2008, il séjourne au Québec en résidence Novembre Montréal à l’invitation du CEAD (centre des auteurs dramatiques). En 2009 il reçoit une Bourse d’écriture dramatique OARA (office artistique région Aquitaine). En 2010, il est en Résidence à La Chartreuse de Villeneuve les Avignon CNES (Centre national des écritures du spectacle). En 2009 il traduit, en collaboration avec Maria Estafiadis les Remplaçantes de Dimitris Dimitriadis pour l’Atelier Européen de la Traduction
En 2011-12 il est écrivain résident pour la région Ile de France.

Un projet d’écriture retraçant l’épopée du Melkior Théâtre est en cours : Pour en finir avec le jugement de dieu. Le premier épisode a été monté en 2005 par le Melkior Théâtre, le second épisode a été écrit en 2007/2008.

Eric Da Silva a publié Esse que quelqu’un sait où on peut baiser ce soir? J’ai répondu au bois, Je deviens Jimi Hendrix, Bonjour Monstre, Entropie. Portraits utopiques (Lilas en Scène) est sa cinquième pièce parue chez : esse que éditions en décembre 2020.

Née en 1976, Barbara Ferraggioli publie aux éditions Venenum son premier Roman graphique Curriculum Vital en juillet 2010.

Illustratrice autodidacte, Barbara Ferraggioli est diplômée de l’INSAS* à Bruxelles. Du théâtre, elle pioche la fantaisie et les concepts qui nourrissent ses dessins.
En quête de liberté, équipée de matériaux volontairement modestes, elle brosse des instantanés de vie goguenards pour faire ressortir le paradoxe entre la vie intérieure de chacun et sa vie sociale.
Ainsi, en poursuivant son travail graphique à travers des témoignages de vie, des Brèves et autres histoires ; au fil des rencontres, elle imagine un guide éco-gestes pour l’IDEMU, réalise une couverture de magasine pour les P.U.F, des affiches de spectacles, et Curriculum Vital, son premier roman graphique, paru chez :esse que éditions, dont la suite, Curriculum Viral, est en cours de réalisation.

*Institut National des Arts du Spectacle • www.barbaraferraggioli.fr

Auteur et metteur en scène, il suit une formation au conservatoire du 5eme arrondissement de Paris avec Bruno Wacrenier. Il crée sa compagnie en 2004, Scena Nostra pour mettre en scène ses propres textes.
Entre 2006 et 2008, il crée Car ceci est mon vin au Théâtre de la Jonquière puis à Avignon au Théâtre du Funambule. Puis, il écrit Les Égéries, mis en scène par Julie Cordier et L’Ordalie des petites gens, une commande de la Maison des Pratiques Artistiques Amateurs.
Sur cette période, il s'investit aussi largement auprès de publics "empêchés" (enfants atteints de handicaps, jeunes de quartiers en recherche d'emploi, détenus…) en créant des projets avec des partenaires d’Ile-de-France (Mission locale, Accueil de jour pour SDF, Maison d'arrêt, Collèges et Lycées…)
De 2010 à 2013, il écrit Naissance, pièce jouée notamment au Théâtre de Vanves puis au Théâtre Gérard Philipe, CDN de Saint-Denis pendant le festival Une semaine en compagnie.
Il participe au Festival de Villeréal et invente le concept des Brèves, saynètes courtes, écrites et montées "dans l'urgence" issues d'anecdotes glanées lors de rencontres sur le territoire.
En 2014, on lui confie la direction artistique du Scenoscope 8 au CDN de Gennevilliers, évènement porté par l’association Equip'Arts et représentée par les 16 élèves de la promotion du Master Professionnel Métiers de la production théâtrale (Paris 3 – Sorbonne Nouvelle).
En 2015, il développe un projet intitulé Immersion, projets de territoire à Gennevilliers, avec une dizaine d'artistes et de nombreux partenaires (ARCADI, DRAC, CG92, Ville de Gennevilliers…).
A partir de 2017, il est associé au CDN de Valence Drôme-Ardèche et au Théâtre l'Avant Seine de Colombes. Il crée Syndrome U, pièce d’anticipation, coproduite par la Comédie de Valence, le Théâtre du Nord à Lille, la Scène Nationale de Villeneuve d'Ascq, le Groupe des 20 Théâtres en Ile-de-France et le Théâtre l'Avant Seine de Colombes.
En 2018, il crée Les Brèves du Futur, fictions courtes d’anticipation qu’il joue en tournée en Drôme et Ardèche et en Ile-de-France.
Il est actuellement en cours d’écriture de la pièce les Méritants qui sera créée en 2022.

Olivier Kemeid, auteur et metteur en scène, a signé une quinzaine de pièces de théâtre, seul ou en collaboration, ainsi que quelques adaptations et relectures, jouées à travers le monde. Parmi ses oeuvres, mentionnons Five Kings- L’histoire de notre chute, Moi, dans les ruines rouges du siècle et L’Énéide, qui témoignent de l’impact de l’Histoire sur la vie des hommes et la force du théâtre qui permet d’échapper à la banalité du quotidien. Diplômé de l’École nationale de théâtre du Canada en écriture dramatique et détenteur d’un baccalauréat en science politique et philosophie de l’Université de Montréal, Olivier a été professeur invité à l’École supérieure de théâtre de l’UQAM en plus d’avoir dirigé le Théâtre Espace libre. Il a reçu de nombreuses distinctions, dont le prix de l’Association québécoise des critiques de théâtre en 2012 pour Moi, dans les ruines rouges du siècle.
C’est à l’automne 2016 qu’Olivier Kemeid devient le nouveau directeur artistique et codirecteur général du Théâtre de Quat’Sous, ce lieu qui a accueilli ses premières œuvres et dans lequel il a été le plus joué au cours de sa carrière. Au printemps 2017, il y présente Les manchots, création dont il signe le texte et la mise en scène.

Actrice et dramaturge germano-tchèque, Jana Klein suit un chemin pluridisciplinaire entre théâtre, écriture, musique et cinéma. Diplômée en études littéraires à l’Université de Bochum et à La Sorbonne Nouvelle, elle travaille comme assistante à la mise en scène et à la dramaturgie en Allemagne avant de se former avec Véronique Nordey à Paris. Elle explore le chant jazz au Roy Hart Theatre et parfait sa formation en stage, notamment avec Jean-
Michel Rabeux. Après de nombreuses créations collectives et performances en France, Allemagne et en Europe de L’Est, elle se dirige vers les écritures contemporaines, et joue sous la direction de Vincent Ecrepont, Frédéric Mauvignier, Perrine Mornay, Patrick Verschueren, Camille Davin, Jean-Marc Musial…
Parallèlement, elle est pendant quatre ans auteure et interprète du groupe de rock General Bye Bye, en tournée en France et à l’étranger. Depuis 2013, elle développe des performances solo, notamment sous la direction de Noémie Fargier et en collaboration avec un groupe de plasticiens pragois.
Au cinéma, elle tourne avec les réalisateurs Mikaël Rabetrano, Nicolas Roche, Julien Charpier et Michel Lascault. En 2016 et 2017, elle tient les rôles principaux de la série Soul Pain du réalisateur macédonien Jani Bojadzi et du long-métrage Un café sans musique est rare à Paris de la réalisatrice allemande Johanna Pauline Maier.

La Brute (initialement nommée IMPAKT) est un collectif d’artistes de théâtre qui se compose de Jérôme de Falloise, Wim Lots, Raven Ruëll, Anne-Sophie Sterck, Nicolas Marty & Catherine Hance.

La Brute poursuit sa recherche au coeur de ce qu’elle appelle “les zones de non-pensée” : les lieux obscurs de l’humanité que la société préfère ne pas questionner. Si la norme sociale était au coeur des questions de Blackbird (leur premier spectacle) le tabou que leur prochaine création, Paying for it, vise à lever, porte sur le conflit moral que pose la sexualité tarifée.


 

Romancier, auteur de théâtre, metteur en scène et comédien, Denis Lachaud est né en 1964 à Paris. Après des études en langues étrangères et un séjour en Allemagne, il se tourne vers le théâtre et crée, avec plusieurs comédiens, la compagnie Le Téatralala en 1990. Le théâtre le mène à l’écriture de pièces mais également de romans. Depuis 1998 et son premier roman J’apprends l’allemand, il a publié une vingtaine d’ouvrages, en majeure partie chez Actes Sud, qui composent une œuvre forte et singulière.

À l’image de son dernier roman, Les Métèques (2019), son écriture questionne le thème de l’identité : la famille, la langue, le pays, et interroge l’histoire collective et familiale. Il publie également plusieurs pièces de théâtre, chez Actes Sud–Papiers, dont Hetero (2003), mis en scène par Thomas Condemine, La Rivière (2018), mis en scène par Jean-Philippe Naas et La Magie lente (2018), mis en scène par Pierre Notte. Jubiler (2020) est sa première pièce publiée chez esse que éditions, suivie en 2021 par L’Archipel suivi de NBA. L'Archipel a été mis en scène en 2021 par Jean-Philippe Naas.

Denis Lachaud participe à de nombreux travaux collectifs aux côtés d’artistes : plasticiens, photographes, danseurs, cinéastes, et s’associe régulièrement à des compagnies ou des théâtres pour lesquels il écrit sur commande.
 

Charlotte Lagrange est autrice, metteuse en scène, dramaturge. Elle a été formée à l’école du Théâtre National de Strasbourg après des études de philosophie à la Sorbonne et un master professionnel mise en scène et dramaturgie à Nanterre. Sa compagnie, La Chair du Monde est implantée en Alsace depuis 2011.
Elle a écrit et mis en scène L’âge des poissons, librement inspiré du roman Jeunesse sans dieu d’Ödön von Horvath, Aux Suivants, spectacle sur la dette économique mais aussi morale, voire familiale, Je suis nombreuse solo sur l’identité multiple, Tentative de disparition, spectacle sur la contamination de la politique dans le couple et Désirer tant, spectacle et texte sur le lien entre grande et petites histoires à travers trois générations de femmes. Cette pièce a été lauréate de l’aide à la création Artcena, accessit du prix du Café Beaubourg et sélectionnée par le comité de lecture ALT.
Elle a mené de nombreuses créations participatives notamment sur le territoire du Montbéliard avec MA - la Scène Nationale. Ces créations, les rencontres qu’elle a faites avec des mineurs étrangers et les personnes chargées de l’accueil, ainsi que les entretiens qu’elle a mené sur le territoire l’ont nourri dans l’écriture de L’Araignée, éditée chez Théâtre Ouvert Éditions / Collection Tapuscrit. Elle a créé ce monologue à Théâtre Ouvert en hors les murs à la MC93 en mars 2020. Le spectacle se jouera au festival d’Avignon 2020, au Gilgamesh.
Charlotte Lagrange a également écrit Les Petits Pouvoirs, sélectionné par le festival du Jamais Lu - Théâtre Ouvert en octobre 2019, qu’elle montera en 2022.
Elle est également intervenante en faculté d’Art du Spectacle à Strasbourg, et elle travaille régulièrement pour le Temporairement Contemporain, revue du festival d’écritures contemporaines de la Mousson d’été. Comme dramaturge, elle a travaillé auprès de Frédéric Fisbach, Laurent Vacher, David Lescot, Arnaud Meunier, Lukas Hemleb, Jean-Paul Wenzel et Joël Jouanneau.

Né en 1975, Lazare est auteur, improvisateur, metteur en scène, et réalisateur. Le chemin de l’écriture passant d’abord par l’oralité, Lazare développe depuis toujours une pratique de l’improvisation seul ou accompagné de musiciens. Entre 2006 et 2010, il est régulièrement l’invité du festival La voix est libre aux Bouffes du Nord à Paris. Son duo avec le musicien Benjamin Colin Les chambres de hasard participe au projet franco-malien de la Fondation Royaumont Du griot au slameur (oralités anciennes-oralités urbaines, avec le musicien Balaké Sissoko), ainsi qu’à Tumulus, chemin géo-poétique , voyage-rencontre en Europe de l’est. À cette occasion, il fait la connaissance du chorégraphe Josef Nadj qui l’invite à danser dans le spectacle Cherry Brandy. Depuis 2017, en duo avec la danseuse-chorégraphe Jann Gallois il présente une série de performances L’éclosion des gorilles au cœur d’artichaut (Sujet à vif – Festival d’Avignon) puis Éros en confinement des improvisations sur mythe de Psyché (parvis de l’Espace Cardin – festival un été particulier Paris) En 2008, Lazare fonde sa compagnie VITA NOVA et réunit autour de lui une constellation d’interprètes pluridisciplinaires. Il se concentre alors à la réalisation d’une première trilogie, l’épopée d’une famille entre France et Algérie, un théâtre avant tout poétique et musical dont les motifs principaux sont la mémoire refoulée et les trous de l’histoire de France : Passé - je ne sais où, qui revient (2009) évoque les manifestations de Guelma en Algérie en mai 1945 ; Au pied du mur sans porte (2011) chemine sur la trajectoire d’un enfant dans une banlieue française; Rabah Robert - touche ailleurs que là où tu es né (2013) part sur les traces d’un père, de la conquête coloniale à la guerre d’Algérie. En 2014, Lazare s’éloigne de la grande fresque épique pour ses Petits contes d’amour et d’obscurité – deux récits burlesques et tragiques pour une circassienne et six acteurs. En 2017, artiste associé au Théâtre National de Strasbourg et au T2G, Il commence une nouvelle série théâtrale, musicale et cinématographique avec Sombre rivière, cabaret mené tambour battant pour conjurer les idéologies mortifères après les attentats de Paris, suivi en 2019 de Je m’appelle Ismaël, pièce d’anticipation et manifeste de résistance de l’image poétique. Les textes des pièces sont édités aux Voix Navigables et Les Solitaires Intempestifs. Lazare encadre régulièrement des ateliers de médiation artistique pour amateurs ainsi que des formations professionnelles auprès des nouvelles générations d’interprètes.

 

Metteuse en scène de théâtre, Anne-Laure Liégeois signe aussi la scénographie et les costumes de la plupart de ses spectacles. Son travail est essentiellement tourné vers l’écriture, vers les écritures, et elle porte une attention particulière au rapport du spectateur au spectacle. Ainsi, Anne-Liégeois n’a de cesse d’explorer divers espaces scéniques : salles, espace public, établissements scolaires, musées.
En 1992, elle traduit Le Festin de Thyeste de Sénèque en conclusion de ses études de Lettres Anciennes et l’adapte pour la scène. Puis elle crée Le Fils de Christian Rullier, forme spectaculaire avec 50 comédiens se jouant dans des lieux industriels désaffectés. C’est son premier spectacle déambulatoire. En 2000, Embouteillage (Éditions Théâtrales), spectacle de route pour 27 auteurs, 50 acteurs et 35 voitures, ou Ça (2005), vaste dispositif pour plaine et clairière conçu sur le principe de La Ronde de Schnitzler, illustreront son goût pour ce type d’expériences théâtrales.
En 2003, elle est nommée à la direction du Centre Dramatique National d’Auvergne qu’elle quitte en 2011 à la fin de ses trois mandats. Elle reprend alors son activité en dirigeant la Compagnie Le Festin.
Ses mises en scène font autant appel à des textes contemporains (Patrick Kermann, Pierre Notte, Rémi De Vos, Noëlle Revaz, Roland Dubillard, Georges Perec, Arno Bertina...) qu’à ceux d’auteurs du Répertoire : Molière (Don Juan), Euripide (Électre), Marivaux (La Dispute), Sénèque (Médée), Christopher Marlowe (Édouard II), John Webster (La Duchesse de Malfi), Henrik Ibsen (Peer Gynt)... Son travail d’écriture pour la scène l’associe régulièrement à des équipes d’auteurs qu’elle inclut dans des formes composites (Ça, Embouteillage, Karaoké́, Les Rencontres de Hérisson 2007- 2011).
Entre 2010 et 2013, elle crée à La Comédie Française, Burn Baby Burn de Carine Lacroix, Le bruit des os qui craquent de Suzanne Lebeau, Une Puce, épargnez-la de Naomi Wallace (entrée au Répertoire), La Place Royale de Corneille.
Elle a traduit pour les jouer : Sénèque, Euripide, Marlowe, Webster, Lenz, Shakespeare.
Elle a mis en scène, avec l’Opéra de Clermont-Ferrand, Le Téléphone de Menotti, Le secret de Suzanne de Wolf-Ferrari, Rita de Donizetti et Un mari à la porte d’Offenbach. Avec Musiques Nouvelles et le Manège-Mons, elle crée La Toute Petite Tétralogie, livret de M. Jamsin et commande à quatre compositeurs : J.P. Dessy, S. Collin, R. Lay et P. Charpentier. Elle a également mis en scène Acis et Galatea d’Haendel, avec Damien Guillon à la direction musicale, à l’Opéra Grand Avignon, à l’Opéra de Clermont-Ferrand et au Festival de la Chaise Dieu. Elle a souvent fait participer à ses mises en scène des chanteurs et des musiciens.
En 2014, elle a créé Macbeth de Shakespeare. En 2015, elle monte Les Époux de David Lescot et reprend The Great Disaster de Patrick Kermann. L'année suivante elle adapte et met en scène Don Quichotte d’après Cervantès. À l'occasion du Festival d'Avignon 2017, elle propose avec Christiane Taubira le feuilleton On Aura Tout au jardin Ceccano avec des amateurs locaux et des élèves du Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique (CNSAD). La même année elle s'associe à la troupe circassienne historique Pagnozzo au cours d'une expérience inédite de création : J'accrocherai sur mon front un as de cœur. En 2018, elle adapte Les Soldats de Lenz (adaptation parue aux éditions esse que) et Lenz de Büchner, ainsi que L’Odeur du pays lointain à l’Institut du Monde Arabe. Le 10 décembre 2018, elle met en scène et orchestre La Veillée de l'humanité au Théâtre National de Chaillot à l’occasion du 70^ème anniversaire de la Déclaration universelle des Droits de l’Homme et réunit 200 participants sur scène (Isabelle Adjani, Marcia Barcellos, Carolyn Carlson, François Chaignaud, Éric Ruf, Caroline Marcadé et les élèves du CNSAD, Dominique Mercy, Phia Ménard, José Montalvo, Wajdi Mouawad, Lia Rodrigues). À l’été 2019, elle crée Roméo et Juliette de Shakespeare en français, darija et arabe classique, spectacle feuilleton en trois journées, pour l'espace public, avec une équipe de comédiens français et marocains (traduction et adaptation parue aux éditions esse que). En janvier 2020, elle créé Entreprise, déclinaison en 3 pièces d’entreprise, à partir des textes de Jacques Jouet, Rémi de Vos et Georges Perec.
Pendant la période COVID, elle invente Fuir le Fléau commande à 15 auteurs, joués par 6 comédiens, destinés à faire vivre tous les coins d’un théâtre dans un climat de confinement. En 2021 et en 2022, Anne-Laure Liégeois crée Peer Gynt au Théâtre du Peuple de Bussang, puis adapte pour la scène le roman d’Arno Bertina Des Châteaux qui brûlent (Gallimard).
Elle est responsable et metteuse en scène des évènements de réouverture de la BnF Richelieu qui ont lieu en septembre 2022 et fait vivre l’évènement de la Bibliothèque Parlante à la BnF Mitterrand en juin 2023.
Anne-Laure Liégeois est artiste associée à la Maison de la Culture d'Amiens et en compagnonnage à la Scène nationale de l’Essonne, Agora-Desnos et à Équinoxe Scène nationale de Châteauroux. Elle est prix SACD de la mise en scène.

Olivier Lopez quitte ses études d’ingénieur en bâtiment en 1997 pour se lancer dans le théâtre.

Installé en Normandie, il fait la rencontre de Jean-Pierre Dupuy (compagnie Actea) et de René Pareja (Nord-Ouest Théâtre) auprès desquels il s’initie au jeu d’acteur. Intéressé par le jeu masqué, le théâtre gestuel et les écritures classiques et contemporaines, il cumule de nombreuses expériences et poursuit sa formation en France et en Europe auprès de Gilles Defacque, Levent Beskardes, Carlo Boso, Antonio Fava ou encore, Shiro Daïmon.
Très vite, Olivier Lopez s’intéresse à la mise en scène. En 2000, il reprend la direction de la compagnie Actea, devenue depuis La Cité Théâtre, et crée son premier spectacle en 2001 : Ferdinand l’impossible, de Julie Douard.
Olivier Lopez crée des spectacles à la forme joyeuse et lumineuse, et traite de sujets révélateurs de nos angoisses les plus profondes. Depuis 2001, il a créé une dizaine de spectacles où l’acteur et l’écriture plateau sont au cœur de sa démarche. Dans ses histoires, le rire est souvent un outil au service de la création d’un espace de résistance à l’isolement, à la violence et à l’absurdité de notre époque. Actuellement, ses spectacles Bienvenue en Corée du Nord et 14 juillet sont en tournée en France et à l’étranger et rencontrent un succès public et critique. Sa dernière création Rabudôru, poupée d’amour porte sur l’arrivée des love-dolls dans notre société (création novembre 2020).
Depuis 2019, il est artiste associé au Théâtre des Halles, à Avignon et artiste accompagné par DSN / Scène nationale de Dieppe.
Rabudôru, poupée d'amour est sa première pièce publiée chez esse que éditions

 

Après des études d’ingénieur en mathématiques appliquées, il se tourne vers le théâtre. Il suit une formation au Conservatoire de Grenoble, puis à la classe libre du cours Florent. Il fonde en 2004 la Compagnie La Traversée1.

Cédric Orain travaille essentiellement sur des textes qui ne sont pas destinés au théâtre : Ne vous laissez jamais mettre au cercueil d’après des textes d’Antonin Artaud, Le Mort de Georges Bataille, mais également l'œuvre de Gilles Deleuze sur laquelle il s'appuie pour écrire D comme Deleuze. Il coréalise aussi une mise en scène de La Nuit des rois de William Shakespeare, et s'inspire de MacBeth avec sa pièce Scottish Play. En 2010, il adapte et met en scène Le Chant des Sirènes, d’après Pascal Quignard. Il écrit également ses propres textes, qu’il met aussi en scène : Striptease (publié chez Venenum éditions), En attendant la nuit. En 2019, il crée Disparu au Théâtre du Train Bleu à Avignon, seul en scène, inspiré par les histoires de disparitions volontaires.

Par ailleurs, Cédric Orain a collaboré à l’écriture et/ou la mise en scène de spectacles de la chorégraphe Sarah Nouveau, du circassien Tanguy Simmoneaux, du marionnettiste Julien Aillet, du mentaliste Kurt Demey, du magicien Thierry Collet, et du metteur en scène David Bobee.

Cédric Orain écrit ses spectacles au fil des répétitions : il donne un point de départ à une histoire et continue son écriture au plateau avec les acteurs, la lumière, le son et la scénographie.

Ses spectacles ont été présentés à Paris au Théâtre de la Bastille, au Théâtre de la Cité internationale, au Théâtre l’Echangeur, à la Maison des Métallos, à La Ferme du Buisson, ou encore au théâtre L’Étoile du Nord, en France métropolitaine dans le réseau des scènes nationales et conventionnées, et à l’international (Belgique, Québec).

Il prépare pour la saison 2020-2021 sa prochaine création, à destination du jeune public: Enfants sauvages, un texte qu'il écrit à partir des histoires vraies de Victor de l'Aveyron et de Kaspar Hauser.

En 2019, Cédric Orain est artiste associé à la Maison de la Culture d’Amiens - Pôle européen de création et de production et artiste accompagné par le Phénix – Scène nationale de Valenciennes dans le cadre du Campus du Pôle européen de création. Il est également artiste en résidence à Ma scène nationale – Pays de Montbéliard.

Gilles Ostrowsky est cofondateur avec Sophie Cusset et Jean-Matthieu Fourt de la compagnie Octavio. Leur forte complicité artistique les amène à créer un univers singulier, à écrire et mettre en scène de nombreux spectacles : Le retable, le Christ et le clown ; Men at work en collaboration avec Eugène Durif ; Hop là ! Fascinus ! ; Marilyn était chauve ; Bang Bang ; Un miracle ordinaire m.e.s Sophie Cusset, Héroïnes ; Les caissières sont moches.

Son parcours l’amène à faire des rencontres déterminantes. Entre 1993 et 1995 il établit une complicité avec Pierre Guillois sur plusieurs de ses spectacles (L’Œuvre du pitre ; La Fête ; Roméo et Juliette).

En 1997 il rencontre Pierre Blaise, disciple d’Antoine Vitez, qui l’initie à la marionnette. Il joue Fantaisies et bagatelles pendant 3 ans autant en France qu’à l’étranger. Avec Pascale Siméon il découvre Beckett et en 2003 il fait la rencontre d’Eugène Durif qui écrit pour lui et Catherine Beau Le Plancher des vaches créé au théâtre du Rond-Point. La même année son parcours croise celui de Jean-Michel Rabeux, il s’établit entre eux une complicité qui dure encore aujourd’hui. Avec lui il joue dans un Feydeau puis à nouveau dans deux Shakespeare : Le Songe d’une nuit d’été et La Nuit des rois. Il travaille encore avec Marc Prin sur Klaxons, trompettes et pétarades de Dario Fo (Nanterre-Amandiers), Julie Bérès avec Sous les visages (Théâtre de La Ville), Rodolphe Dana avec Merlin de Tankred Dorst (Théâtre de la Colline) Saga des habitants du val de Moldavie de Marion Aubert m.e.s Marion Guerrero, Love and Money de Denis Kelly m.e.s Blandine Savetier, Lancelot de Lac de Jacques Roubaud et Florence Delay m.e.s Olivier Besson, mais aussi avec Sylvain Maurice, Matthew Jocelyn, Sophie Rousseau, François Rodinson, Antoine Lemaire. En 2016 il part 3 mois au Burkina Faso avec Thierry Roisin pour répéter et jouer La Tempête de Shakespeare.
En 2013, il a coécrit avec Jean-Michel Rabeux Les Fureurs d’Ostrowsky. Toujours en tournée et en 2015, il co-adapte avec Olivier Martin-Salvan, UBU, spectacle créé au Festival d’Avignon, et programmé en 2017 au Bouffes du Nord. En 2016 il coécrit Le Grand Entretien avec Guillaume Durieux, texte sélectionné à La Mousson d’été 2016 et met en scène King Lear remix d’Antoine Lemaire avec Sophie Cusset.
Voyage en Ataxie est sa première pièce éditée chez esse que éditions.

Sarah Pialeprat est née dans le sud de la France. C’est Kamila Ourabah qui lui fait découvrir le théâtre à l’âge de 11 ans et commence à la former. C’est ensuite Marie Grandaty qui lui accorde sa confiance et la met en scène notamment dans une adaptation du Journal d’Anne Frank. L’enseignement rigoureux qu’elle reçoit auprès de ces deux professeures lui permet d’intégrer directement la classe de 3e année de Michel Fau au cours Florent tout en continuant ses études de Lettres à La Sorbonne.

Déçue par son échec au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique, elle part s’installer en Belgique. À Bruxelles, elle commence à travailler comme critique littéraire puis de cinéma. Peu à peu, le cinéma - et spécialement documentaire - commence à prendre de plus en plus de place et elle crée et dirige un festival spécialisé, le Brussels Art Film Festival (BAFF), tout en continuant à écrire des articles pour la presse ainsi que des textes personnels.

Roméo vs Juliette est sa première pièce publiée.

Il intègre fin 1999 la compagnie-école du THEATRE DU FIL, à Savigny sur Orge en Essonne.
Cette expérience durera 3 ans comme élève, et autant comme intervenant, puis formateur - il travaillera notamment sur la notion d’espace et de présence au plateau. Parallèlement en 2003-2004, il suit un cursus à l’université de Saint Denis, où il s’interroge sur le corps en chorégraphie, et intègre un cours d’art vidéo.
La Compagnie CETTE COMPAGNIE-LÀ est fondée autour de son univers en 2005, et poursuit l’aventure d’action culturelle et d’éducation populaire.
L’action culturelle est très importante dans son parcours, développant des travaux pour non-acteurs, de la prison à la psychiatrie, en passant par les Centre d’hébergement d’Urgence, tout en ne négligeant pas le travail en milieu scolaire avec le Lycée Albert 1er à Monaco.
Il y découvre peu à peu ses outils d’écriture de plateau, y approfondit le travail sur la présence et la présence collective, le rapport à la musique, la voix amplifiée, et cela sera son école de mise en scène. Il se forme aussi au burlesque avec Hervé Langlois et LA ROYAL CLOWN COMPANY pour qui il est aussi assistant pour le spectacle Merci Madame, est assistant et comédien pour Martine Dupé sur un projet de clown et vidéo, ainsi qu’assistant pour Yann Allégret sur le spectacle Issues.
Ce n’est qu’en 2010, enrichi de tout ce parcours, qu’il signe sa première mise en scènevsemi-pro : Nina (Le chant du ressort), d’après un texte de Pierre Meunier, qui a soutenu le projet.
La rencontre avec Pierre Meunier est extrêmement importante. Pierre Meunier avsoutenu la compagnie depuis toujours, notamment en l’accueillant au CUBE à Hérisson pour sa 1re création pro de PROTO, ainsi que pour ELVIS IS NOT DAD.
Il a par ailleurs été interprète pour Massimo FURLAN et Claire de Ribaupierre au sein de la performance 10x THE ETERNAL (Numéro 23 prod).
Il est comédien pour Pierre Vincent Chapus au sein de la Cie Bubblegum parfum désert pour la création NOVELTY
Son travail en prison est de plus en plus reconnu, avec le soutien de partenaires comme L’Atelier du Plateau et le Théâtre Paris Villette.

Après une formation de comédien (Ateliers du Sapajou et Studio-Théâtre d’Asnières avec Jean-Louis Martin-Barbaz) et plusieurs assistanats, Thomas Quillardet décide de se consacrer à la mise en scène. Il crée son premier spectacle en 2004, Les Quatre Jumelles de Copi. Il organise l’année suivante, dans le cadre de l’année du Brésil, le festival Teatro em Obras au Théâtre de la Cité Internationale / Paris et au Théâtre Mouffetard / Paris, composé d’un cycle de douze lectures de jeunes dramaturges brésiliens et de la mise en scène du Baiser sur l’asphalte de Nelson Rodrigues.
De 2006 à 2014, il rejoint Jakart/Mugiscué, un collectif théâtral situé en région Limousin et associé aux Treize Arches, Théâtre de Brive-La-Gaillarde, et au Théâtre de L’Union – CDN du Limousin. En 2007, il monte avec des acteurs brésiliens, à Rio de Janeiro et à Curitiba, un diptyque de Copi : Le Frigo et Loretta Strong (Villa Médicis hors les murs).
En 2008, il met en scène Le Repas de Valère Novarina au Théâtre de l’Union à Limoges et à La Maison de la Poésie à Paris. Dans le cadre de l’année de la France au Brésil en 2009, il crée au SESC Copacabana à Rio de Janeiro L’Atelier Volant de Valère Novarina avec des acteurs brésiliens. L’année suivante, il met en scène avec Jeanne Candel Villégiature d’après Goldoni. En 2012, il monte successivement Les Autonautes de la Cosmoroute d’après Julio Cortázar et Carol Dunlop au Théâtre national de La Colline, L’Histoire du Rock par Raphaèle Bouchard ainsi que Les Trois Petits Cochons au Studio-Théâtre, signant ainsi sa première collaboration avec la Comédie- Française.
En 2015, il fonde la compagnie 8 AVRIL et créé les spectacles : Montagne (2016) puis Où les coeurs s’éprennent (2016), adaptation des scénarios d’Éric Rohmer Les Nuits de la pleine lune et Le Rayon vert et Tristesse et joie dans la vie des girafes (2017) de Tiago Rodrigues.
Durant la saison 2018/2019, il adapte et met en scène avec Marie Rémond : Cataract Valley, d’après la nouvelle Camp Cataract de Jane Bowles, spectacle qui sera repris à l’Odéon-Théâtre de l’Europe en mai 2019 et Le Voyage de G. Mastorna d’après Fellini à la comédie française.
En 2019, il s’engage dans la re-création de L’Histoire du Rock par Raphaële Bouchard.
En 2020, il crée L’Encyclopédie des Super-héros (en partenariat avec le Théâtre du Sartrouville – CDN) spectacle à partir de 9 ans et Ton père d’après le roman de Christophe Honoré.
En 2021, il met en scène deux nouvelles pièces : L’arbre, le Maire et la Médiathèque, adaptation du scénario d’Eric Rohmer pour l’extérieur et Une Télévision française, dont il signe également le texte.
Membre du comité lusophone de la Maison Antoine Vitez, Thomas Quillardet traduit des pièces brésiliennes et portugaises, notamment les auteurs Marcio Abreu, Tiago Rodrigues, Joana Craveiro ou encore Gonçalo Waddington.
Il a été artiste associé de 2016 à 2017 au Théâtre – Scène Nationale de Saint Nazaire. Il est également artiste associé au Trident – Scène Nationale de Cherbourg-en-Cotentin de 2018 à 2022 et au Théâtre de Chelles et à la Comédie de Reims – Centre Dramatique National de 2019 à 2021.

Romain David, Jérôme de Falloise, David Murgia, Benoît Piret et Jean-Baptiste Szézot se sont engagés dans la voie quelque peu utopique, lente mais fertile de la création en collectif.

Après une formation à l’École Supérieure d’Acteurs du Conservatoire de Liège, ils fondent en 2009 le Raoul collectif et créent ensemble le Signal du promeneur (2012) notamment primé au Festival Impatience, puis Rumeur et petits jours (2015) et Une Cérémonie (2020), tous deux présentés au Festival d’Avignon. Ces spectacles, salués par la critique, ont rencontré un large public.

Ils ont élaboré ensemble une méthode de travail qui prend en charge toutes les dimensions de la création (écriture, jeu, mise en scène, musique, scénographie) en n’excluant pas le recours à d’autres forces ponctuelles ou à des collaborations continues avec d’autres artistes, parmi lesquelles Yaël Steinmann et Natacha Belova.

De cette dynamique – sorte de laboratoire pratique de démocratie -, de la friction de leurs cinq tempéraments se dégage une énergie particulière, perceptible sur le plateau, une alternance de force chorale et d’éruptions des singularités, une tension réjouissante, tant dans le propos que dans la forme, entre rigueur et chaos, gravité et fantaisie.

Avant • Bac Théâtre. Hypokhâgne. Cours d’art dramatique au CAC de Corbeil-Essonnes
1991/2000 • Rejoint l’aventure du CAES, lieu de vie et de création autogéré à Ris-Orangis (91)
Premières mises en scènes et expériences artistiques, dont Assistant éclairagiste Têtes Raides.
1993 et 2001 • Théâtre du Festin-Anne-Laure Liégeois. Spectacles : Loterie Sanglante et Embouteillage
2000 à 2007 • Mazout & Neutron (Théâtre de rue)
2008 à 2014 • Coauteur, comédien de La Coterie avec des membres du groupe Têtes Raides, créé pour les Francofolies de La Rochelle 2011/2012 • Toujours avec Têtes Raides, comédien dans une création du groupe à l’Odéon-Théâtre de l’Europe, autour de l’œuvre de Jean Genet
2011 • Bye Bye Blondie, long métrage de Virginie Despentes. Rôle de Michel
2011 • Collaboration avec Didier Super pour l’élaboration de sa “comédie musicale” Et si Didier Super était la réincarnation du christ ? 2012 et 2013 • Lectures au Festival de la correspondance de Grignan
2014 • Paris, série pour Arte. Rôle : délégué syndical
2016-2017 • Régisseur technique d’un foyer de travailleurs maliens à Montreuil
2017 • Création du spectacle Joblard, seul en scène
2018 • Création du Théâtre d’Art & Déchets avec Aude Biron. Exploitation de Joblard
2019 • Création de A Vote? ! (auteur et comédien), deuxième spectacle du Théâtre d’Art & Déchets
Tournée Joblard
2019 • Création des Editions Anarcra Vainchy
Romans/nouvelles:
2014 • Joblard t’es le meilleur ! (Ed. Aaarg !)
2015 • Joblard L’Hygiène de la vermine (Ed. Aaarg !)
2016 • Mourir sans crever de faim (Ed. Aaarg !)
2018 • Joblard A la Lie (Ed. Anarcra Vainchy)

 

Comédien, scénariste, metteur en scène, Stéphane Schoukroun a grandi et vit en banlieue parisienne. Adepte de l’écriture de plateau et animé par l’envie de partager sa stupéfaction face au monde, il s’engage avec des artistes comme Frédéric Ferrer avec qui il crée six spectacles sur le réchauffement climatique et un monologue sur Les lettres de Ville Évrard d’Antonin Artaud. Avec Ariel Cypel et Gaël Chaillat il crée Murmures qui traite du conflit israélopalestinien.
Les performances auxquelles il participe avec Sophie Akrich et Eli Commins parlent des migrations et de l’identité, tout comme le monologue Saleté de Robert Schneider, dirigé par Christophe Lemaître.
Avec Guy Lombroso, Alexandre Zloto, Luc Clémentin, Jacques Descordes, Marie-Pierre Bésanger et Aristide Tarnagda…il travaille sur des textes contemporains (Koltès, Gatti…) mais aussi, Brecht, Boulgakov, Shakespeare... Il joue depuis dix ans Au Dehors, monologue d’Alain Ubaldi sur le monde du travail et ses dérives. Avec Christian Benedetti, il joue un texte de Gianina Carbunariu et La mouette et Trois soeurs de Tchekhov.
Au cinéma, il tourne notamment avec Peter Watkins, Siegrid Alnoy, Dominique Cabrera, Brahim Fritah et Xavier Legrand.
En parallèle de sa carrière d’interprète, il arpente hôpitaux psychiatriques, collèges et foyers où il écrit et met en scène des performances in situ.
Il initie un nouveau type d’écriture en dialogue avec les territoires : Mon rêve d’Alfortville au Théâtre-Studio d’Alfortville est le premier volet de la série Villes/Témoins dont le protocole commun réinvente un spectacle avec chaque nouveau groupe d’habitants (Théâtre L’Échangeur de Bagnolet, Théâtre Paris-Villette, Maison des Métallos,…).
Stéphane Schoukroun crée alors la compagnie (S)-vrai avec laquelle il travaille aujourd’hui sur des projets pluridisciplinaires. Au Monfort, avec Chemins de l’enfance, il met en scène des artistes et leur parcours. Frontières (Scène Nationale de Sénart), création avec 200 lycéens, interroge notre rapport aux limites. Dans Foyer(s), des étudiants de l’ESAD explorent le réel d’un CHRS parisien et la complexité de porter la parole de l’autre (Grand Parquet).
Avec la vidéaste Frédérique Ribis, il coréalise deux documentaires, l’un sur le quartier de Belleville et l’autre sur l’engagement des artistes dans la cité.
Il réalise par la suite Rater en beauté, court-métrage avec un groupe de jeunes adultes atteints de troubles psychologiques et Une visite, avec des adolescents du Centre Concorde de Clichy.
L’investigation de la compagnie (S)-vrai se poursuit avec Passage(s), projet en trois volets dont le premier donne lieu en 2018 à un parlement réunissant 150 enfants dans la salle du Conseil Départemental de Seine-Saint-Denis. Le second volet se joue à l’Espace Niemeyer en mai 2019, le troisième sera présenté au Théâtre Paris Villette, au Théâtre du Fil de l’eau à Pantin et au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers en juin 2020. En 2018, avec
Dialogue(s) au Théâtre Paris Villette, il propose une performance sur la culture, celle qu’on nous transmet et celle qu’on choisit, avec quinze adolescents résidents des CHRS de la Ville de Paris.
En 2017/2018, Stéphane Schoukroun est artiste associé aux Ateliers Médicis et crée Construire, projet lauréat Art-cena en dramaturgies plurielles. Il poursuivra cette recherche sur la construction en banlieue parisienne avec le Théâtre de la Poudrerie (Sevran) en 2020/21.

Sacha Todorov est auteur, metteur en scène, et chercheur indépendant. Il est l’auteur d’une thèse sur les carnavals militants en Europe, et d’un post–doctorat sur les prémices du théâtre écologique aux États-Unis. Metteur en scène (TNS 2014), il a assisté Lukas Hemleb, Clément Poirée et Olivier Letellier ; il mis en scène Ruy Blas (2012), Penthésilée (2016), Robin des bois (2019) et 1789 (2022). Il est l’auteur pour le théâtre de plusieurs traductions (Don Juan, avec Christian Schiaretti, 2011 ; Œdipe roi et La Paix, avec Lazare Herson-Macarel, 2014-2015 ; Othello, 2018) et textes originaux (Le Jour de gloire est arrivé, avec Léo Cohen-Paperman, 2014), notamment pour la jeunesse (Mascarade, avec Nancy Huston, 2008 ; Robin des bois, 2019 ; Orson et Valentin, 2023). Depuis 2010, il est membre du collectif du Nouveau Théâtre Populaire, où il est également comédien et pianiste ; depuis 2022, il est artiste associé aux Tréteaux de France.